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Arte: L’oro degli uomini rossi, trame ancestrali e visioni archetipiche
19 aprile, di Giovanna Angelino — Stili di vita, Arazzi e strutture totemiche, arte contemporanea, Claude Lévi-Strauss, L'oro degli uomini rossi, linguaggio visivo, Roberto Tibaldi, urucum
L’oro degli uomini rossi: Trame ancestrali e visioni archetipiche. Roberto Tibaldi.
Dal 24 aprile 2026, lo Studio Tibaldi Arte Contemporanea di Roma inaugura la mostra personale di Roberto Tibaldi dal titolo “L’ORO DEGLI UOMINI ROSSI”. L’esposizione rappresenta l’approdo di una ricerca artistica ventennale, un percorso profondo e meticoloso che vede l’artista impegnato nell’indagine del confine sottile tra materia e spirito, tra arcaico e contemporaneo.
Attraverso un linguaggio visivo che unisce rigore formale e potenza espressiva, la mostra si configura come un viaggio simbolico alle radici dell’esistenza. Al centro del progetto espositivo vi è l’uso sapiente di pelli naturali, pigmenti rossi e inserti in foglia d’oro, materiali scelti non solo per la loro valenza estetica, ma come elementi carichi di memoria e sacralità.
Il Concept: Materia, Spirito e Sacralità
Il tema della mostra, declinato attraverso opere che spaziano dalla fisicità della terra alla lucentezza del metallo prezioso, invita lo spettatore a riscoprire una dimensione ancestrale dell’arte contemporanea. Ogni opera di Tibaldi è un dialogo aperto tra la forza grezza della materia e la luce eterea dell’oro, intesa quest’ultima come scintilla divina che eleva l’oggetto quotidiano a icona sacra.
La ricerca ventennale di Roberto Tibaldi si traduce in una padronanza tecnica straordinaria, dove la manipolazione delle pelli diventa una metafora della pelle umana e della sua storia, segnata dal tempo ma nobilitata dall’intervento artistico.
Lo Spazio Espositivo
Lo Studio Tibaldi Arte Contemporanea, situato nel cuore di Roma, si conferma con questa esposizione un osservatorio privilegiato per la valorizzazione di percorsi artistici maturi e coerenti. La mostra propone una collezione esclusiva di opere che trasformano la galleria in uno spazio meditativo, dove la vibrazione del colore rosso e il riflesso dell’oro guidano il pubblico in un’esperienza sensoriale e intellettuale.
L’Artista
Roberto Tibaldi, la cui pratica si è consolidata in oltre due decenni di sperimentazione, esplora nuove geografie dell’astrazione materica. La sua opera non è solo una riflessione sulla forma, ma un’indagine antropologica sulla simbologia dei colori e dei materiali nobili nella storia dell’uomo.
Sede: Galleria TIBALDI – Via Panfilo Castaldi, 18 – 00153 Roma (RM)
Inaugurazione: 24 Aprile 2026 – ore 19:00
Organizzazione: Roberto Tibaldi / Studio TibaldiPresentazione artistica: dott. Errico ROSA (già architetto e docente di Storia dell’arte)
Orari: Inaugurazione ore 19:00. Per visite successive si prega di contattare la galleria.
Laddove l’immagine abdica alla sua funzione descrittiva per farsi varco verso l’immateriale, si apre quel campo di risonanze interiori che definisce il lavoro di Roberto Tibaldi.
Al centro della sua ricerca si colloca l’universo ancestrale amazzonico, dove il concetto di “oro” si emancipa dal valore materiale per assumere una qualità immateriale, energetica e identitaria: una sostanza simbolica che appartiene al corpo, al rito e alla memoria. I cosiddetti “uomini rossi” — le comunità indigene del Brasile che si ricoprono di urucum — emergono in questo contesto non come soggetti da osservare, ma come presenze archetipiche, incarnazioni viventi di una conoscenza che fonde corpo, ambiente e dimensione trascendente.
Il pigmento che ne avvolge la pelle non è mero ornamento, ma atto trasformativo che rende visibile l’appartenenza a un disegno generale dell’universo in cui il sacro permea ogni forma di esistenza.
In dialogo con l’antropologia strutturale di Claude Lévi-Strauss, Tibaldi assume queste cosmologie come sistemi epistemici capaci di disarticolare le categorie del pensiero occidentale, cercando le strutture profonde che uniscono l’uomo al cosmo. La sua ricerca si radica in una memoria sensibile, legata all’infanzia trascorsa in Brasile, rielaborata attraverso un processo di emersione archetipica in cui il subconscio individuale e la memoria collettiva convergono.
Al cospetto di queste opere, lo spettatore è avvolto da un’atmosfera religiosa e mistica, un silenzio visivo che invita al raccoglimento e alla sospensione del tempo ordinario. L’immagine diventa così un dispositivo di attraversamento: uno spazio liminale in cui la percezione è sollecitata a oltrepassare la soglia del visibile, trasformando l’osservatore in una presenza coinvolta in un’esperienza sensoriale profonda.
Questa tensione si materializza in una pratica rigorosa dove la scelta materica rivela una coerenza assoluta con l’intento filosofico. L’articolazione di barre d’ottone su campiture di cuoio incarna perfettamente la dialettica tra natura e cultura; questi elementi lineari, pur nella loro astrazione geometrica, richiamano archetipi antropomorfi, scheletri primordiali o esili colonne vertebrali, rappresentando l’essenza dell’umano spogliata dalle sovrastrutture civili.
Il cuoio, ovvero epidermide che concettualmente diviene pelle, non è solo un supporto, ma un richiamo alla dimensione animale e ancestrale su cui il freddo metallo — simulacro dell’oro immateriale — si innesta per creare una sintesi alchemica tra corpo e spirito. Parallelamente, le geometrie dorate su sfondi rossi traducono visivamente la forza dell’urucum, elevando l’immagine a una dimensione liturgica dove le forme sembrano fluttuare come frammenti di una visione mistica che riemerge dal subconscio per farsi visione collettiva.
I filamenti multicolore, disposti in sequenze allineate e cadenti, talvolta intrecciati tra loro, costituiscono un elemento ricorrente del repertorio rituale di queste tribù. Essi rendono visibile il concetto di “trama ancestrale”: ogni filo teso si configura come un vettore di intensità simbolica, capace di connettere la memoria individuale alla dimensione universale dello spirito. Arazzi e strutture totemiche emergono come campi energetici, in cui l’opera d’arte smette di essere un semplice “oggetto da guardare” e inizia a trasmettere un’energia che percepiamo con tutto il corpo, e non solo con gli occhi.
In questo senso, l’Oro degli Uomini Rossi non rappresenta un altrove esotico, ma attiva una soglia: un luogo in cui materia e spirito si intrecciano, suggerendo una rinnovata possibilità di relazione tra l’essere umano e le dimensioni profonde dell’esistenza.
L’arte di Tibaldi è una risposta al vuoto del presente: uno spazio dove fermarsi e tornare a sentire il mistero della vita come una forza vicina e potente.
di Errico ROSA (già architetto e docente di Storia dell’arte)
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Il ritorno del vinile: cosa cercano i collezionisti?
17 aprile, di Giovanna Angelino Retro Marketing e Vintage Marketing sono una branca che le imprese utilizzano per promuovere i propri prodotti e servizi.
Il mercato del vinile, negli ultimi anni richiama al passato, alle emozioni e per questo cresce notevolmente. I dati parlano di una crescita del vinile che si attesta intorno al 24% nel 2025. Rendimenti superiori alla Borsa e un giro d’affari superiore ai 2,5 miliardi di dollari.
Il mercato è trainato da “superfan” e dalla Gen Z che cercano un’esperienza tangibile. Dopo aver superato i CD nel 2021, il vinile consolida la sua posizione, trasformando le copertine in arte e riscoprendo un altro modo di ascoltare la musica. L’offerta di vinili mira a diventare una nicchia multigenerazionale.
La tendenza emersa in Italia dal record Store Day 2026 mette al centro il coinvolgimento da parte di un pubblico sempre più appassionato e nostalgico. Il suono del vinile è più nitido e poi diventa un pezzo d’arte da collezionare.
Cos’è il Marketing della nostalgia?
Il Marketing della Nostalgia si basa sul recupero di vecchi miti, storie, prodotti o stilemi visivi per creare una connessione emotiva intensa con il consumatore. Il comparto fisico nel suo insieme cresce del 13%, con CD e vinili a fare da protagonisti, ma sono i vinili a guidare il boom, trasformando le copertine e il packaging in veri oggetti d’arte. Estrarre il disco, posizionarlo sul giradischi e ascoltare senza fretta diventa un piccolo rituale che lo streaming non può dare. Vinile e digitale convivono: lo streaming serve per scoprire musica, il vinile per viverla davvero e sostenere gli artisti preferiti.
I dati del Report Fimi 2026 confermano infatti una crescita solida del vinile, che nel 2025 ha generato 54,8 milioni di dollari di ricavi, segnando un incremento del +24% rispetto all’anno precedente: si tratta di un risultato economico positivo che racconta un cambiamento profondo nelle abitudini di consumo musicale.
Come riporta Ansa – Si consideri il 2008 – l’anno di inaugurazione del Record Store Day – per il quale il formato in Italia valeva appena 1,9 milioni di dollari: in poco più di quindici anni, ha quindi registrato una crescita superiore al +2.780%, moltiplicando il proprio valore di quasi 29 volte e passando da mercato di nicchia a protagonista del segmento fisico. Alla base di questa evoluzione – segnala la Federazione dell’industria musicale – c’è soprattutto il contributo dei superfan, una fascia di pubblico altamente coinvolta che vive la musica come strumento identitario e relazionale: è proprio questa categoria di consumatori, in Italia pari al 12% del totale, a sostenere sia la domanda di vinili – con una particolare predilezione per l’acquisto di edizioni speciali e prodotti da collezione – sia la crescita dell’intero segmento fisico, che nel 2025 ha raggiunto quota 84,2 milioni di dollari (+21,9%). In questo contesto, il vinile si afferma sempre più come un oggetto culturale, capace di rafforzare il legame tra artista e fan e di trasformare l’ascolto in un fenomeno esperienziale. Il Record Store Day rappresenta un momento chiave per celebrare questa evoluzione: un’occasione per valorizzare la centralità della musica fisica in continuità con l’esplosione dello streaming e la costruzione di una comunità di appassionati fedeli.
Perchè cresce il vinile?
I consumatori trovano conforto ed emozioni in un mondo frenetico, riattualizzando elementi classici o vintage per renderli desiderabili nel mercato attuale.
Cosa considerare prima di investire in vinili?
- I vinili sono un bene fisico, bello da ascoltare ed esporre, ma poco liquido: venderli può richiedere tempo, foto, annunci, trattative.
- I prezzi non salgono in modo lineare: a volte un disco esplode per moda, poi si sgonfia, o viceversa.
- Il rischio di sbagliare è alto se si compra “solo per rivendere” senza conoscere il mercato.
Il valore di un vinile dipende dalla rarità, dalla qualità e dalla tiratura. Inoltre, lo stato di conservazione del vinile è fondamentale, come se si tratta di un album storico o prima stampa ed elementi simili.
Un collezionista che intende diventare un buon investitore deve conoscere l’andamento del mercato e alcuni termini tecnici.
RSD (Record Store Day) – Evento annuale (e Black Friday) con uscite in vinile spesso limitate e dedicate ai negozi fisici. First press / prima stampa – Prima tiratura ufficiale di un disco alla sua uscita originaria. FOMO (Fear Of Missing Out) – Paura di “perdersi qualcosa”, che spinge ad acquistare subito versioni limitate o a tempo. Reissue (ristampa) – Nuova tiratura di un album già pubblicato in passato, spesso con label o dettagli diversi.
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Meloni non sta cambiando strategia verso Trump: Orsini docet
15 aprile, di Giovanna Angelino — Fast News Week, attacco di Trump, entrare in guerra con l'Iran, Meloni Trump, stretto di hormuz C’è chi sostiene che le critiche a Trump siano un bluff di Meloni. Come sostenere il contrario, se si analizzano i fatti e le parole di questi anni?
Chiara l’analisi del Prof. Alessandro Orsini suoi social:
Ho letto l’intervista di Bonaccini a Repubblica sullo scontro tra Trump e Meloni. Ho ascoltato l’intervento di Elly Schlein.
Ho letto gli articoli del Corriere della Sera. E vedo molta confusione.
Trump ha chiesto a Meloni di entrare in guerra con l’Iran e Meloni ha detto di no perché non poteva dire di sì.
Meloni non sta cambiando strategia verso Trump, come afferma Bonaccini, tant’è vero che: 1) Meloni, mentre scrivo, sta cercando di ricucire con Trump dietro le quinte; 2) Meloni si è rifiutata di replicare all’affondo di Trump.
Nessuna novità, nessun cambio di strategia. L’interpretazione di Bonaccini è errata perché non è calata nel contesto geopolitico in cui lo scontro è maturato.
Una prova?
Tutti i Paesi europei hanno risposto come Meloni alla richiesta di “aiuto” da parte di Trump, hanno detto NO, giacché l'”aiuto”, nel modo in cui è concepito da Trump, consiste nell’entrare nello stretto di Hormuz con le navi da GUERRA per forzare il blocco imposto dall’Iran in una regione in GUERRA, all’interno di una coalizione di GUERRA, sotto la guida di un presidente in GUERRA, in cui l’aggredito è l’Iran.
Meloni ha aiutato Trump QUANDO ha potuto, ad esempio, inviando il SAMP/T (operato dai soldati italiani) agli Emirati Arabi Uniti.
Come ho spiegato nei miei libri, essere uno Stato satellite non significa dire di sì a tutto ciò che la potenza dominante chiede. Significa dire di sì ogni volta che è possibile scegliere tra dire di sì e dire di no. In questo caso, Meloni non aveva alcuna possibilità di dire di sì. Lo scontro non è stato tra Trump e Meloni, bensì tra Trump e i vincoli strutturali del sistema politico italiano radicati nell’articolo 11 della Costituzione.
Il problema non è nella relazione Meloni-Trump, bensì nella relazione Italia-guerra. Accogliere la richiesta di “aiuto” lanciata da Trump significa – semplice semplice – portare l’Italia in guerra.
Meloni non ha deciso nulla perché i vincoli strutturali del sistema politico italiano non le lasciano alcuna possibilità di decidere.
Ecco invece le parole del deputato Riccardo Ricciardi (M5S):
“Rivolgo la solidarietà all’istituzione ‘presidenza del Consiglio’, ma “se non ti comporti come istituzione per anni e ti comporti come leader politica, prona a Donald Trump per 4 anni, fino a candidarlo al Premio Nobel per la pace, sino a portare come unico componente a quel comitato d’affari che si chiama Board of Peace, il paese Italia, se non partecipi alla convention del Partito Repubblicano, ma alla convention Maga, fai nazionalismo e nazionalismo sempre, questa è la moneta con cui ti ripagano. Perché noi l’abbiamo detto in quest’aula che ci sono servi sciocchi, talmente sciocchi che perfino i padroni li prendono in giro. E questo è stato quello che ha fatto la presidente Meloni.
Quindi la solidarietà all’istituzione, ma questa presidente del Consiglio non ha portato avanti l’alleanza istituzionale con gli Stati Uniti, ha portato avanti l’alleanza partitica tra destre sovraniste che poi quando vedono scontrarsi i loro interessi, vanno fatalmente e inevitabilmente in corto circuito”.
Lo stretto di Hormuz…e le affermazioni contraddittorie di Trump
Lo stretto di Hormuz o stretto di Ormuz è uno stretto che divide la penisola arabica dalle coste dell’Iran e mette in comunicazione il golfo di Oman, a sud-est, con il golfo Persico, ad ovest.
Poco fa il Presidente degli Stati uniti ha affermato che “La guerra è quasi finita”, ma gli Usa mandano altri 10 mila soldati. Teheran: “Se il blocco Usa prosegue, chiudiamo il Mar Rosso”.
“Qualsiasi mossa o interferenza nello stretto di Hormuz non farebbe altro che complicare la situazione”. L’ha dichiarato il portavoce del ministero degli Esteri iraniano, Esmaeil Baghaei, in risposta al recente piano dei Paesi europei di formare una coalizione per garantire la sicurezza della navigazione nello Stretto di Hormuz, dopo la guerra.
Dal punto di vista finanziario Il blocco dello Stretto di Hormuz non rappresenta un rischio significativo per i dividendi delle utility europee. Il blocco dello Stretto di Hormuz non rappresenta un rischio significativo per i dividendi delle utility europee.
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Arriva il comunicato di UsigRai: Inacettabile il comportamento di Bruno Vespa
15 aprile, di Giovanna Angelino — Fast News Week, aggressione di Bruno Vespa a Provenzano, comunicato UsigRai, trasmissione Bruno Vespa In una nota, l’esecutivo UsigRai, il sindacato dei giornalisti RAI esprime tutta la sua indignazione nei confronti dei vertici Rai, per quanto accaduto nello studio di Vespa.
Ecco quanto pubblicato sui social:
Vespa in diretta aggredisce verbalmente un parlamentare. Ancora una volta la Rai non ha nulla da dire?
Sta facendo il giro di web e social lo scatto d’ira di Bruno Vespa che si avvicina minaccioso all’onorevole Provenzano, “colpevole” di una battuta sulla sua faziosità che, evidentemente, vista la reazione, deve aver colpito nel segno. Che Vespa da tempo si sia spogliato dei panni del giornalista per indossare quelli del tifoso del governo di turno è pacifico per chiunque.
È inaccettabile però che i vertici Rai gli garantiscano uno status di intoccabile.
Dalle gaffe sui social, alle arringhe a difesa del governo sul caso Almasri (la Corte Penale internazionale la pensava in modo opposto), agli insulti agli attivisti della Global Sumud Flottilla, solo per citare i casi degli ultimi tempi. Il tutto profumatamente pagato con i soldi degli italiani (anche se la Rai non svela il compenso).
Comunicato Esecutivo Usigrai – FNSI – Federazione Nazionale Stampa Italiana
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Mercato dell’arte: Tra speculazione e storicità
14 aprile, di Giovanna Angelino L’asimmetria del valore nell’arte contemporanea: Tra volatilità e storicizzazione. Il caso Michele Rosa (1925 – 2021).
C’era una volta l’arte delle Accademie e dei Salon di fine ‘800, in cui talento e critica ufficiale erano filtrati da istituzioni fortemente gerarchizzate e già legate a logiche di mercato e di prestigio. Oggi, dopo la rivisitazione critica delle avanguardie – da Marcel Duchamp in poi – ci troviamo in un mercato dell’arte globalizzato dove mode, speculazione e visibilità mediatica selezionano poche ‘star’, mentre molti artisti restano in ombra, in un contesto che esalta l’ascesa continua di nuove icone contemporanee.
Presenze capaci di eclissare prepotentemente attori che fino a non molto tempo fa erano promesse nel mondo del mercato dell’arte ed ora appaiono stelle dimenticate e quantomeno offuscate. Un silenzio, per questi, che si allarga lentamente: le mostre si fanno sempre più rare poi scompaiono, le gallerie interrompono i rapporti e cambiano vetrina, le quotazioni calano inesorabilmente. Un fenomeno questo che non può essere spiegato in termini esclusivamente di qualità artistica ma si inquadra all’interno di intrecci ed interessi economici, culturali e istituzionali che trasformano il mercato dell’arte contemporanea in un ecosistema altamente selettivo, dove il valore non dipende solo dalla forza di un’opera, ma dalla sua capacità di reggere la pressione di speculazioni, mode e cambiamenti di paradigma.
L’economia dell’arte
Uno degli aspetti più evidenti è la crescente estremizzazione del mercato che penalizza quelli di media qualità. Senza scendere nel dettaglio cronologico del fenomeno, possiamo affermare che dagli anni ’80 e ’90, con un’accelerazione decisiva negli anni 2000, esso ha assunto caratteristiche simili a quelle di un’economia del tipo “chi vince prende tutto”, dove pochi artisti concentrano la maggior parte delle risorse economiche.
Nomi come Jean-Michel Basquiat o Jeff Koons rappresentano esempi emblematici di questa dinamica: le loro opere raggiungono cifre straordinarie e sono percepite come beni rifugio capaci di navigare indenni le fluttuazioni dei mercati.
Come già evidenziato da Georgina Adam in “Dark Side of the Boom. The Excesses of the Art Market in the 21st Century” (1), la maggior parte del denaro e del valore commerciale si concentra su un numero esiguo di artisti “star” e top-lot venduti da grandi gallerie o case d’asta in grado di manipolazione le quotazioni, mentre la restante parte del mercato e degli artisti fatica a emergere. Su questi nuovi artisti, si costruiscono narrazioni di successo e prospettive di crescita che determinano quotazioni spesso sostenute più da aspettative che da consolidati riconoscimenti critici. “Fenomeni del momento”, il cui valore risulta fondato più sulla promessa che sulla storicizzazione.
Quando il ciclo si inverte e la domanda speculativa rallenta, si attivano dinamiche di rapida rivendita delle opere acquistate con l’obiettivo di realizzare profitti immediati. Se questo comportamento si diffonde, l’offerta sul mercato secondario aumenta improvvisamente, superando la domanda e determinando un calo dei prezzi che può diventare irreversibile.
A questa dimensione economica si affianca quella istituzionale, che gioca un ruolo determinante nella stabilizzazione del valore artistico. Un artista non si afferma definitivamente finché il suo lavoro non entra in un circuito di riconoscimento più ampio: musei, biennali, collezioni pubbliche, pubblicazioni critiche.
Questi elementi costituiscono una sorta di mano protettiva che frena la caduta, proteggendo l’artista dalle fluttuazioni del mercato. Senza di essi, l’opera resta esposta alle sole logiche commerciali, diventando vulnerabile a ogni cambiamento di gusto o di interesse. La mancanza di un solido supporto istituzionale è, infatti, una delle principali cause del declino di molti artisti che, pur avendo conosciuto un iniziale successo, non sono riusciti a consolidare una posizione nel lungo periodo.
Vi è poi il rischio di obsolescenza dell’arte contemporanea quando questa privilegia la moda passeggera rispetto alla ricerca profonda, finendo per svalutarsi a causa della sovraesposizione. Ciò che appare innovativo in un determinato momento può diventare, nel giro di pochi anni, ripetitivo o privo di incisività.
Temi come sostenibilità, identità, inclusione ed etica sono oggi centrali nel discorso artistico e influenzano profondamente il modo in cui le opere vengono recepite. In questo contesto, non è solo la produzione artistica a essere valutata, ma anche la figura pubblica dell’artista. La biografia diventa parte integrante dell’opera: comportamenti controversi, posizioni ritenute problematiche o scandali personali possono avere ripercussioni dirette sul mercato, costringendo gallerie e istituzioni a tagliare i ponti. In alcuni casi si assiste a vere e proprie forme di esclusione simbolica, con mostre cancellate e opere rimosse da spazi pubblici. Questo fenomeno evidenzia come il valore artistico non sia più separabile dal contesto sociale in cui si inscrive.
Accanto a questi fattori macroscopici, esistono dinamiche più tecniche ma altrettanto decisive, basate su reti di influenza, su equilibri delicati tra diversi attori. La galleria che rappresenta un artista svolge spesso un ruolo di “market maker”, ovvero di soggetto capace di sostenere e difendere le quotazioni, promuovere il lavoro presso collezionisti e istituzioni, costruire una narrativa coerente. Se questo supporto viene meno – per la chiusura della galleria o per una scelta strategica – l’artista perde un punto di riferimento fondamentale. Analogamente, quando un piccolo gruppo di collezionisti influenti decide di vendere in massa le opere di un certo autore, il segnale inviato al mercato può essere catastrofico: i prezzi crollano e la fiducia si riduce, innescando un effetto domino difficile da arrestare.
In questi processi di ridimensionamento dell’opera d’arte vi anche un ulteriore elemento, spesso sottovalutato, che riguarda la materialità dell’opera. Molti artisti contemporanei utilizzano materiali sperimentali o soggetti a rapido invecchiamento: plastiche, componenti elettroniche, supporti organici. Se l’opera manifesta segni di degrado difficilmente reversibili, il suo valore può diminuire drasticamente. La conservazione diventa quindi una questione cruciale, così come l’autenticità e la provenienza. Eventuali incertezze documentarie o dubbi sull’attribuzione possono compromettere la fiducia del mercato, rendendo le opere difficilmente collocabili nei circuiti ufficiali.
In questo complesso contesto, il valore artistico emerge come il risultato di una complessa interrelazione tra diversi attori:
– le gallerie operano nel mercato primario, introducendo e promuovendo gli artisti;
– le case d’asta intervengono nel mercato secondario, rendendo pubblici i prezzi e contribuendo a definirne la percezione;
– critici e curatori forniscono un quadro interpretativo che legittima l’opera sul piano culturale;
– musei e istituzioni intervengono nel processo di storicizzazione, sottraendo le opere alla circolazione e conferendo loro uno status duraturo;
– infine, i collezionisti più influenti agiscono come amplificatori, orientando le scelte di altri operatori.
In termini esemplificativi, è interessante esaminare il profilo del pittore Michele Rosa (1925–2021) in concomitanza nel 2025 della conclusione delle celebrazioni dei 100 anni dalla sua nascita, poiché offre un caso di analisi particolarmente significativo in quanto artista, sebbene ai margini dei circuiti speculativi dei grandi galleristi e case d’asta, supportato da una riconosciuta storicizzazione testimoniata dalla presenza diffusa di sue opere in prestigiose istituzioni pubbliche e private. Tra queste si annoverano la collezione presso la Biblioteca ‘Altiero Spinelli’ della Regione Lazio, la Camera di Commercio di Frosinone, Unindustria Roma e il Museo ‘Costantino Barbella’ di Chieti. Il suo percorso istituzionale prosegue con la Pinacoteca Civica di Avezzano, l’Ambasciata d’Italia in Lussemburgo, la Fondazione Umberto Mastroianni di Arpino e diversi atenei, tra cui la ‘Sapienza’ di Roma, l’Unicas di Cassino e la LIUC di Castellanza.
Un ruolo importante è stato appunto svolto dalle iniziative poste in campo in coincidenza delle celebrazioni per il centenario (1925–2025), che hanno dato origine a mostre antologiche e retrospettive diffuse
in diversi centri – Sora, Arpino, Roma, Gaeta (Museo Archeologico, Sora; Fondazione U. Mastroianni, Arpino; Europa Experience – David Sassoli, Roma; Camera di Commercio, Roma; Pinacoteca di Arte Contemporanea, Gaeta) generando un picco di visibilità e interesse che ha spinto le quotazioni verso l’alto. Questi eventi non si limitano a celebrare una carriera ma riattivano l’interesse critico e commerciale, riportando l’artista al centro dell’attenzione. In questo quadro si è aggiunta la riscoperta della produzione fotografica degli anni ’60 e ’70 che ha rappresentato un ulteriore elemento di valorizzazione, aprendo un nuovo segmento di collezionismo e conferendo al lavoro di Rosa una doppia valenza – pittorica e fotografica, storica e documentaria – che ne amplia il pubblico di riferimento e riduce la dipendenza da un unico segmento di mercato.Il caso analizzato conferma che la solidità di un artista non dipende da un singolo fattore, ma dalla convergenza di più dimensioni – economica, critica, istituzionale e culturale. Tuttavia, questo quadro interpretativo, per quanto ancora valido, rischia di non cogliere le trasformazioni strutturali nel sistema dell’arte globale attualmente in corso. Guardando al futuro prossimo, il mercato dell’arte contemporanea si trova di fronte a una svolta epocale che potrebbe ridefinire radicalmente i meccanismi di attribuzione del valore. L’emergere delle tecnologie blockchain e degli NFT ha introdotto elementi di tracciabilità e democratizzazione che potrebbero erodere il monopolio informativo delle grandi gallerie.
La crescita del mercato asiatico
Parallelamente, la crescita esponenziale del mercato asiatico – con Cina, Corea del Sud e paesi del Golfo che stanno costruendo infrastrutture museali ambiziose – sta spostando i centri di potere tradizionalmente concentrati tra New York e Londra.
Nel caso specifico di Michele Rosa, la sfida non è tanto mantenere le quotazioni attuali, quanto garantire che la produzione pittorica e fotografica entri stabilmente nei programmi di ricerca delle università, nelle collezioni dei nuovi musei internazionali e nei database digitali che stanno ridefinendo la storiografia artistica.
La presenza nelle istituzioni italiane, per quanto importante, non basta più: è necessario un posizionamento geograficamente diversificato che tenga conto delle nuove geografie del collezionismo. Il vero elemento connotante nei prossimi dieci anni non sarà tra artisti quotati e non quotati, ma tra chi avrà costruito una presenza stabile in almeno tre ecosistemi paralleli (il mercato occidentale tradizionale, i nuovi mercati asiatici e mediorientali, e le piattaforme digitali di certificazione e scambio) e chi resterà ancorato a un solo sistema di riferimento.
La lezione che emerge dall’analisi delle fluttuazioni del valore è che la resilienza non nasce dall’eccellenza in un singolo ambito, ma dalla capacità di radicarsi simultaneamente in più terreni, creando una rete di legittimazione che nessun singolo shock di mercato possa smantellare completamente. In questo scenario, la commemorazione del centenario di Michele Rosa rappresenta non un punto di arrivo, ma una finestra temporale strategica: il momento in cui decidere se la sua eredità artistica rimarrà un fenomeno prevalentemente regionale e nazionale, o se potrà aspirare a quel riconoscimento internazionale durativo che, nel mercato globalizzato dell’arte, costituisce l’unica vera garanzia contro l’obsolescenza.
(1) Adam, Georgina (2017), Dark Side of the Boom. The Excesses of the Art Market in the 21st Century, Lund Humphries, Londra.
Comunicato Stampa: Dott. Errico Rosa
(già architetto e docente di Storia dell’Arte)
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