L’erotismo nella musica

Tuttavia, il potere della musica nella controcultura è che collega queste cause a un elemento molto più universale della vita: la sessualità.

La sessualità è uno degli aspetti più intensamente piacevoli e tuttavia preoccupanti dell'esperienza umana. È allo stesso tempo il regno più personale, ma anche quello più attentamente vincolato dall'ordine sociale.

È il terreno in cui gli imperativi della sopravvivenza biologica incontrano e, a volte, si scontrano con la preziosa convinzione che noi umani differiamo dagli animali in virtù della nostra capacità di trascendere le richieste del corpo.
Una delle funzioni delle pratiche discorsive sociali (legge, religione, arte) è quella di moderare questo divario, cioè tra la sopravvivenza biologica e le nostre scelte come esseri umani e, quindi, di tradurre in termini di cultura le esigenze del corpo.

La letteratura e le arti visive si occupano quasi sempre dell'organizzazione della sessualità, della costruzione del genere, dell'eccitazione e della canalizzazione del desiderio.
Lo fa anche la musica, tranne che la musica può svolgere queste funzioni in modo ancora più efficace di altri media. Ma poiché pochi ascoltatori sanno spiegare come crea i suoi effetti, la musica dà l'illusione di operare indipendentemente dalla mediazione culturale, perché è spesso ricevuta e concepita come un mezzo misterioso, all'interno del quale sembriamo incontrare i nostri "propri" sentimenti più privati.

Quante volte sarà capitato, specialmente le donne che sonop più romantiche - magari non quelle della Generazione attuale, la “generazione Alpha” o "Screenagers" come viene definita, dove il romanticismo è stato in gran parte soppiantato dall’uso compulsivo dello smartphone – quante volte sarà capitato di canticchiare una canzone amorosa per ridestare sentimenti romantici?

Quindi la musica è in grado di contribuire alla formazione delle identità individuali: insieme ad altri media influenti come il cinema, la musica ci insegna come sperimentare le nostre emozioni, i nostri desideri e i nostri corpi.

Sia i musicisti stessi, che gli ascoltatori, sanno che una delle principali questioni in gioco nella musica è la costruzione pubblica del genere e della sessualità.
Che si tratti di Prince, o di Madonna, o anche tanti altri, la maggior parte degli artisti pop si è sforzata di creare immagini che sfidano le definizioni tradizionali di "mascolinità" e "femminilità", per presentare modelli di Sessualità che vanno dal liberatorio, al perverso, al palesemente misogino e violento.
E la musica classica, non meno che quella pop, è legata a questioni di costruzione di genere e canalizzazione del desiderio.

Come la sua controparte popolare, la musica classica presenta una vasta gamma di immagini e modelli di sessualità, alcuni dei quali sembrano riscrivere fedelmente le norme spesso patriarcali e omofobe delle culture in cui hanno avuto origine, e alcune delle quali resistono o mettono in discussione tali norme.

Lo studio del sesso e della sessualità nella prima Europa moderna è ormai ben consolidato, sia che si tratti di letteratura, arti visive o persino la musica.
Musicologi, musicisti e pubblico concordano tutti che la musica possa essere intrinsecamente erotica, sia armonicamente - come l'Accordo di Tristano tratto dall’opera di Richard Wagner “Tristano e Isotta”, un accordo speciale che si trova all’inizio dell’opera), che come arte performativa (ad esempio gran parte della produzione di Madonna o di Lady Gaga).

I compositori romantici come Wagner rivelano i sentimenti più intimi senza paura di far emergere anche gli aspetti brucianti e torbidi.

Ecco allora che si affaccia la dissonanza che smuove l’animo dell’ascoltatore lasciandolo indeciso, incompleto e indefinito. 
L’accordo è costruito sul Fa, il Si, il Re diesis e il Sol diesis. La sua particolarità è quella di essere, per così dire, ambiguo, non completo.
Wagner all’inizio lo apre, ma non lo chiude, non lo completa sino alla fine, cioè alla morte di Isotta. E qui Wagner lo chiude, al completamento dell’amore.

Il discorso erotico - o l'erotismo - di per sé non ha avuto tanta attenzione nella letteratura musicologica, almeno non in relazione alla musica moderna.
Nella maggior parte della musica drammatica, ci sono sia personaggi femminili che maschili, e di solito (anche se non sempre) le espressioni musicali dei personaggi sono declinate o coniugate, cioè flesse sulla base del genere.

A partire dall'ascesa dell'opera nel XVII secolo, i compositori si sono preoccupati di sviluppare una semiotica musicale di genere: ossia una serie di convenzioni per costruire "mascolinità" o "femminilità" nella musica.

Queste convenzioni, che segnano la differenza del genere nella musica, sono informate dagli atteggiamenti prevalenti in quel tempo, o in quell’epoca.

È vero, però, che anche queste convenzioni contribuiscono, esse stesse, alla formazione sociale, in quanto le persone imparano ad essere individui di genere attraverso le loro interazioni con discorsi culturali come la musica, appunto.
Però questi codici cambiano nel tempo: ad esempio il "significato" di femminilità non era lo stesso nel XVIII e alla fine del XIX secolo e, di conseguenza, le caratteristiche musicali differiscono.

A dire il vero, però, molti aspetti dei codici sono sorprendentemente resilienti e sono stati trasmessi in modi abbastanza riconoscibili fino ad oggi, ma, se alcuni aspetti dei codici si rivelano stabili, non è perché la musica sia una "musica universale", ma piuttosto perché alcuni atteggiamenti sociali, riguardanti il genere, sono rimasti relativamente costanti in quel periodo della storia.

Quindi, studiare la musica da questo punto di vista può anche fornire approfondimenti sulla storia sociale stessa, nella misura in cui i repertori testimoniano eloquentemente i vari modelli di organizzazione generale, disponibili in qualsiasi momento.
 La musica si occupa anche molto spesso dell'eccitazione e della canalizzazione del desiderio, con modelli di mappatura attraverso il mezzo del suono, i quali assomigliano a quelli della sessualità.

Stephen Heath, critico letterario e studioso della teoria della letteratura, che vive e lavora a Cambridge, (interessante il suo libro L’enigma del sesso, in italiano) riassume bene la posizione revisionista quando scrive:

“Non esiste la sessualità; ciò che abbiamo sperimentato e che stiamo vivendo è la fabbricazione di una "sessualità", la costruzione di qualcosa chiamato "sessualità" attraverso una serie di rappresentazioni - immagini, discorsi, modi di immaginare e descrivere”.

Come esempi ragionevolmente chiari di "fabbricazioni di sessualità" nella musica, potremmo considerare il preludio a Tristano e Isotta di Wagner, o il recente duetto di Madonna e Prince, "This Is Not a Love Song".
Nel duetto di Madonna e Prince riecheggia il famoso accordo di Tristano, l’accordo che si trova all’inizio dell’opera.
Molti aspetti dei codici sono sorprendentemente resilienti e sono stati trasmessi in modi abbastanza riconoscibili fino ad oggi: questi due esempi sono separati da un intervallo di tempo pari a più di un secolo e mezzo.
Anche se tali pezzi possono sembrare straordinariamente erotici, come se fossero riusciti a bypassare la mediazione culturale di tutti questi anni, essi sono in realtà delle costruzioni.

Il dizionario di musica di Harvard, per esempio, include la seguente voce: “Cadenza maschile e femminile”: Una cadenza o un finale è chiamata "maschile" se l'accordo finale di una frase, o di una sezione, si verifica sul ritmo forte… e "femminile" se viene posticipato, per cadere su un ritmo debole. Il finale maschile deve essere considerato quello normale, mentre il femminile è preferito in stili più romantici.

Poiché tali pezzi influenzano e costituiscono persino i modi in cui gli ascoltatori sperimentano e definiscono alcuni dei loro sentimenti più intimi, partecipano attivamente all'organizzazione sociale della sessualità.
Mentre il tema della sessualità è raramente affrontato nella musicologia, ha ricevuto una notevole attenzione nei temi letterario e cinematografico dei nostri giorni.
Come risultato di questa indagine, gran parte di ciò che era stato assunto come biologico e immutabile – quindi essenziale - nell'esperienza sessuale umana è stato radicalmente reinterpretato come socialmente costruito, ossia alla luce del costruzionismo sociale.

Naturalmente l'efficacia dell'erotismo, o anche il suo semplice riconoscimento, si basa sulla comprensione, di un insieme di principi estetici e codici culturali; quindi leggere l'erotismo al di fuori della propria cultura è complicato.

Il dizionario Zingarelli definisce l’erotismo come “l'insieme degli istinti, dei desideri, delle manifestazioni relativi alla sfera sessuale” o “particolare propensione verso il godimento di tipo sessuale”

Se la lettura dell'erotismo si basa sulla comprensione reciproca dei codici culturali tra le persone, ancora più fondamentalmente richiede una comprensione reciproca di ciò che costituisce l'erotismo: nonostante le definizioni del dizionario, cioè i confini che delineano l'erotismo siano sempre contingenti e soggettivi.
Tuttavia, possono essere proposti alcuni principi generali che possono essere utili quando si considerano sia la creazione che la ricezione.

Il primo principio è che invariabilmente stiamo considerando una materia che ha contenuto o connotazione sessuale.
Il secondo principio è che abbiamo una varietà di modi di descrivere questa questione, ma questi possono essere prevalentemente ridotti a queste categorie: espliciti o pornografici, erotici, e osceni.

Nel corso della sua storia in Occidente, la musica è stata un'attività combattuta amaramente in termini di identità di genere. L'accusa che i musicisti o i devoti della musica siano "effeminati" risale alla documentazione registrata sulla musica, e l'associazione della musica con il corpo (come nella danza o per piacere sensuale) e con la soggettività ha portato ad essere relegata a quello che era inteso come un regno "femminile".
I musicisti maschi si sono vendicati in diversi modi: definendo la musica come il più ideale (cioè il meno fisico) delle arti; insistendo enfaticamente sulla sua dimensione "razionale"; rivendicando virtù presumibilmente maschili come l'obiettività, l'universalità e la trascendenza; vietando del tutto l'effettiva partecipazione femminile.

L'America negli anni '50 vide la costruzione di un apparato culturale prospero. Decine di soldati americani tornarono trionfalmente negli Stati Uniti, avendo salvato il destino della democrazia e del capitalismo americano dalla barbarie e dalla dominazione dell'Asse Roma-Berlino.
Quindi, il desiderio di tranquillità divenne un tema fondamentale per la mentalità americana, e da quella mentalità emersero nuovi edifici culturali.
Fu costruito un nuovo sistema della vita americana, e con esso arrivò un regno della fantasia basato su una presunta beatitudine domestica.

Gerard J. De Groot nel suo libro The Sixties Unplugged: A Kaleidoscopic History of a Disorderly Decade, (Gli anni Sessanta scollegati: una storia caleidoscopica di un decennio disordinato) descrive l'ottimismo che molti provavano in questo nuovo ambiente.
Sobborghi felici, liberati dagli oscuri recessi della città, entrarono nella loro versione del paradiso. Volevano l'uniformità, che si trattasse di case, hamburger o birra. De Groot psicanalizza brevemente la mentalità suburbana e la sua giustificazione dell'uniformità e della identicità: “Se le loro case fossero tutte uguali, ciò non importava, poiché lo erano anche le loro ambizioni.”

Ciò che deve essere notato in queste descrizioni della mentalità suburbana americana, è l'enfasi sulla uniformità, che a volte può anche sembrare monotonia e la sua connessione con la sicurezza, indipendentemente dal fatto che l'assimilazione potrebbe essere più facile a dirsi che a farsi. Ciò che è avvenuto è stata una cultura che ha finito non solo per accettare lo status quo, ma per adorarlo come una forma di salvezza dall'incertezza e dal caos.

Una delle più grandi sfide al falso ideale americano, arrivò sotto forma di un'invasione britannica del tipo musicale.

All'inizio l'ingresso dei Beatles nella scena musicale americana non sembrò minacciare gli l'autorità conservatrice, o se lo faceva, non era sufficiente per preoccupare la maggior parte delle piazze suburbane. Semplici ballate d'amore come "I Want to Hold Your Hand" hanno permesso ai Beatles di diffondersi in lungo e in largo nella mentalità musicale americana.

Il concetto di "amore libero" stava diventando il mantra di una nuova generazione stanca delle relazioni di genere tradizionali e degli appuntamenti tradizionali.
Ciò che questo termine piuttosto nebuloso significava, non era semplicemente una cancellazione della monogamia, o anche del tipo di binario di genere tra uomini e donne che esisteva da secoli.

Ciò che indicava era una maggiore enfasi sulla scelta e sulla cura di sé: il sesso per il piacere, non semplicemente per la procreazione, o allo scopo di alleviare le pressioni sociali dell’unione nel matrimonio istituzionale.
Prendiamo, ad esempio, il brano “Norvegian Wood” dove le linee di apertura trasformano efficacemente l'idea dell'avventurismo maschile:

“Una volta avevo una ragazza,
O dovrei dire: 'Una volta mi ha avuto?'
Mi ha mostrato la sua stanza,
Non è bello?”

La ragazza nella canzone potrebbe aver "posseduto" il ragazzo, in un episodio di avventurismo sessuale, e questo capovolge lo stereotipo di genere del maschio aggressivo e della femmina passiva. Per usare una cruda allegoria, il “cacciatore” è ora il “cacciato”.

Ciò che dovrebbe anche essere notato è la posizione che i due personaggi della canzone occupano: la ragazza è indipendente, poiché ha la sua stanza. Mette in evidenza la sua proprietà "mostrando" la stanza, e questo implica la sua padronanza quando chiede al ragazzo di rimanere.
Inoltre, la situazione socioeconomica delle due persone nella canzone è interessante perché è la ragazza che si assume la responsabilità del suo benessere.

“Mi ha detto che la mattina lavorava e ha iniziato a ridere,
Io le ho detto che non lo facevo e sono strisciato a dormire nella vasca da bagno”,

Il narratore “striscia via” mentre la ragazza si prepara a riposare per il lavoro. Questo implica un tratto molto più ammirevole da parte sua. "Strisciare via" può implicare la sconfitta attraverso la mancanza di conquista sessuale.
La proposta di questa scena pone il ragazzo a un livello fisicamente inferiore rispetto all'oggetto femminile del suo inseguimento, cioè la ragazza.
Si può dire che con il protagonista motivato dalla sconfitta e quindi amareggiato, la sua affidabilità viene messa in discussione.

Inoltre, la sua dichiarazione alla fine della canzone "Quindi ho acceso un fuoco, non va bene? Legno norvegese” è ambiguo, ma può implicare che il narratore abbia effettivamente bruciato il legno, cioè la mobilia, di cui la ragazza era così orgogliosa. Questo implica ancora una qualche forma di danno a qualcosa che appartiene alla ragazza, per dispetto causato dalla sua percepita prudenza.

Ora, un incontro sessuale tra giovani, fuori dal contesto del matrimonio è abbastanza scandaloso, ma l'implicazione dell’avventura di una notte in cui una donna prende ciò di cui ha bisogno e solo ciò di cui ha bisogno, è completamente divorziata dalla tradizione.

La proprietà del corpo femminile per diritto sessuale maschile è l'obiettivo principale della satira della canzone; probabilmente rappresenta una sostituzione dell'amore eccessivamente formalizzato e istituzionalizzato, con un amore momentaneo, fuori della cultura del tempo.

Può anche essere interessante notare che l'umore generale e il tono della canzone sono pacifici, mentre l'argomento era per i tempi, molto provocatorio. Quel tono pacifico normalizza la sfida, rendendola un'alternativa alla società combattiva Americana.

Rispetto alle differenze radicali tra il rock and roll degli anni '60 e la natura delle piazze contro cui si ribellarono, può sembrare che non ci fosse nulla di particolarmente strano nei testi o negli stati d'animo invocati dalla disco music; invece celebrò la liberazione della sessualità alla pari con il movimento politicizzato del libero amore della controcultura.
Ma prima che la discoteca potesse diventare una forza così potente nella musica contro culturale americana, un maggiore cambiamento sociale doveva verificarsi in modo più drammatico e conflittuale.

Due dei più grandi passi verso la liberazione della cultura gay sono state le rivolte di Stonewall in Greenwich Village del giugno 1968 e la rimozione dell'omosessualità dal Manuale diagnostico e statistico dei disturbi mentali (DSM) nel dicembre del 1973.

In primo luogo, quando si esamina Stonewall si deve tenere conto del livello di illegalità che l'omosessualità occupava ancora all'epoca. Incursioni come quella tentata il 28 giugno di quell'anno non erano solo accettate, ma comuni.

Ma nel caso di Stonewall quella che doveva essere un semplice episodio per sradicare i cosiddetti degenerati si è trasformato in una sconfitta per le autorità, le quali misero in discussione l'efficacia delle strutture di potere eterosessuali.
La forza fisica aveva lo scopo di trascinare i presunti deviati, e dopo averli trascinati fuori, isolarli dalla società con vergogna.
Quello che in realtà è successo è che è riuscita solo a trascinare la questione dell'oppressione omosessuale nella mentalità dell'America, in qualsiasi misura l'America fosse in grado di coglierla in quel momento.

Il potere della musica Disco era uno sbocco per un'ulteriore esplorazione sessuale più aperta di quanto la comunità gay avesse mai visto prima, e la capacità di uscire in sicurezza in alcuni ambienti era molto più avanti della natura chiusa della società gay nei decenni precedenti.
Mentre si può dire che la tradizione musicale della controcultura americana ha usato la sessualità come punto di battaglia per questioni più grandi, i modi in cui questo è stato fatto hanno differito da decennio a decennio, e da gruppo musicale a gruppo musicale.

I Beatles affrontano radicalmente l'ingiustizia con il mantra hippy per eccellenza che l'amore è la soluzione a tutti i problemi della società.

Usare l'idea del corpo o a volte il proprio come arma di protesta è un altro tema comune sia nei testi della musica della controcultura americana, sia negli stessi cantanti della controcultura americana.

"Fare l'amore, non fare la guerra" era politicizzare il corpo, naturalmente, ma è stato il primo passo per prendere il controllo della propria vita e alla fine assumersi la responsabilità dei benefici della società nel suo complesso.

I testi dei Beatles affrontano la sessualità in modo audace, e anche se la loro musica può essere suonata nelle riunioni di famiglia, o i loghi stampati sulle t-shirts, l’associazione di questi elementi a pezzi della cultura pop serve solo a nascondere il fatto che producono contenuti sessuali espliciti, importanti e impegnativi.

(Questo argomento può essere ascoltato con brani musicali nel Podcast su Spotify)

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